Europa og Amerika: Historie Dress (400-1900 CE)

For historikere, navngivningen i 395 CE af to konsuler, eller kejsere-en for den østlige og én for de vestlige dele af Europa-markerer afslutningen på det romerske imperium. Som den vestlige imperium gradvist faldt under barbariske kontrol, imperiet i øst (hovedstad i Konstantinopel) blomstrede. Kjole i Byzans var en blanding af romerske og østlige stilarter. Fra øst kom kunstfærdige ornamenter, dekorative motiver og tekstiler-især dem af silke. Resultatet var omfattende brug af broderi, applikation, ædelsten, eller vævede designs føjet til den lange eller korte tunikaer og nogle af de draperede yderbeklaedningsgenstande karakteristisk for romerske kjole.

Som den største kulturelle centrum, disse stilarter den byzantinske domstol påvirket alle retterne i Vesteuropa fra omkring 400 og 900 CE Det var først efter det tiende århundrede, at en europæisk økonomisk opsving begyndte, hvilket gør byzantinske påvirkninger noget mindre vigtigt.

Kjole i den tidlige middelalder

Perioden mellem 400 og 900 CE i Vesteuropa er kendt som den mørke middelalder. Som navnet antyder, er billedet af kulturelle udvikling i denne periode er noget uklar. Klare billeder af kjole er få. Tilsyneladende kjole i Europa kombineret romerske former med de af de barbarer. Mænd havde lange eller korte tunikaer med en slags bukser, der blev gaitered (indpakket tæt på benet) med strimler af stof eller læder. Kvinder bar en under tunika og en ydre tunika dækket af en kappe eller kappe. Gifte kvinder dækkede deres hår med et slør. Blandt royalty og overklassen, var tydeligst byzantinske påvirkninger i brugen af ​​silkestoffer, fremstillet i Byzans og importerede, og ornamentale bånd, klippede ærmer, halsudskæringer, hemlines, og andre områder af tunikaer.

Det grundlæggende i kjole været nogenlunde konstant i de ellevte og tolvte århundreder af middelalderen for både mænd og kvinder. Ved siden af hans krop en mand typisk bar Braies, en underkjole ligner underbukser og en skjorte. En kvinde iført en løstsiddende undertøj kaldes en chemise. Undertøj var lavet af linned. Yderbeklaedningsgenstande til både mænd og kvinder bestod af en under tunika og en ydre tunika. Disse blev sandsynligvis lavet af uld. For vigtige lejligheder, måske royalty slid silke. Mænd med højere status, der ikke behøver at være fysisk aktiv wore længere tunikaer. Den under tunika ofte var af en kontrasterende farve eller stof og viste forneden, i halsudskæringen, og i slutningen af ​​ærmerne. Kunstudstillinger både faste og regnede stof, selv solide farver dominerer.

Tolvte århundrede Ændringer i kjole

Ved det tolvte århundrede, kunstneriske og litterære evidens for, at væsentlige ændringer i det politiske, økonomiske, teknologiske og sociale liv var begyndt at påvirke tøj. Efter den romerske regering Europa brød, lokale herskere administreres mindre eller større områder. Charlemagne (768-814), en af ​​kongerne af en germansk stamme kaldet frankerne, kom for at udøve betydelig magt over store dele af Vesteuropa og blev kronet kejser af paven i Rom i 800 CE Denne imperium overlevede ikke længe Charlemagne.

En feudale samfund udviklet, hvor de lokale herrer givet land (len) til personer, der på sin side forudsat loyalitet, betaling og militær støtte til Herren. Disse lords eller konger byggede slotte, hvor et stort antal mennesker levede og arbejdede. Sådanne centre forudsat en scene for visning af status, som ofte blev udtrykt gennem kjole.

Da den europæiske økonomi fremgang og domstole udvidet, den kristne kirke fungerede som en samlende kraft med sin centrale myndighed, paven, i Rom og de lokale biskopper i storbyer og byer. Når paven opfordrede de mange feudalherrer og deres soldater at befri det hellige land fra muslimerne, som havde taget kontrol over denne region, tusinder reagerede. Deres begrundelse for at deltage korstogene varierede fra ægte religiøs fanatisme til mulighederne for plyndringer og plyndring. Effekten på kjolen var betydelig. Korsfarerne, som fortsatte deres krigsførelse i næsten 200 år, bragt tilbage nye materialer, design motiver og tøj stilarter, der blev tilpasset for europæisk kjole. Samtidig, civilklædte indarbejdet elementer af militær kjole.

Mens korstogene øget handel og kommunikation med Mellemøsten, blev europæiske handlende genoplive handel med Fjernøsten samt. Marco Polo (c. 1254 til 1324), skrev om hans eventyr som en erhvervsdrivende i en bog, der var med til at fremme handel med Fjernøsten.

I tilbagegang i den post-romerske periode, bycentre igen blev navene for produktion og handel efter den feudale periode. Teknologiske fremskridt i produktionen af ​​tekstiler såsom vand-drevne valkning (efterbehandling) af uld, en horisontal væven, hvor arbejdstageren kunne sidde og bruge mund skinnekontakter og en bus og en spinderok, der erstattede hånd spindel alle tjente til at øge kapacitet voksende tekstilindustri. Håndværkere dannede guilds, der sætter standarder og lønsatser. Handelsmuligheder udvidet, og rigdom forlænges ud domstolene og royalty til dette nyligt velhavende købmand klasse.

Begyndelsen af ​​Fashion

Selvom de præcise oprindelse af mode ændring i kjole stadig drøftes af kostume historikere, er der almindelig enighed om, at fænomenet med et stort antal mennesker, der accepterer en stil for en relativt kort periode begyndte i middelalderen. De førnævnte sociale og økonomiske forandringer etableret de nødvendige betingelser for mode. Textile fremstillingsvirksomhed forskud, forudsat de råvarer, der er nødvendige for øget produktion og forbrug af tøj. Domstolene forudsat en scene for visning af mode. Social stratifikation var ved at blive mindre stiv, hvilket gør det muligt for en social klasse til at efterligne en anden. Øget handel og rejser spredt information om stilarter fra et område til et andet.

Bevis for den internationale udbredelse af information om stil forandring kan findes i udviklingen i kunsten. Arkitektoniske stilarter ændret radikalt efter circa 1150, når bygninger i romansk stil gav måde i hele Europa til de nyere gotiske former. Begge brugte udskæringer som udsmykning og fortælle bibelske historier. Disse, sammen med billederne portrætteret i mosaikvinduer, har tjent som en vigtig kilde til information om kjole. Manuskript belysning begyndte også at vise mere lay tal klædt i moderne kostume.

Disse statuer og tegninger af det tolvte århundrede viser ændringer i pasform, der klart var resultatet af ændringer i nedskæringen af ​​tøj. I stedet for at være løse tunikaer, tøj fulgte linjerne i kroppen nøje fra skulder til under taljen, hvor en fyldigere nederdel blev syet til den øvre overdelen. Ærmer stilarter varierede. Nogle ydre tunika ærmer var kortere for at vise mere af det under tunika ærme. Nogle var bred, og nogle var så langstrakt, at de skulle med knuder til at holde fra at trække på jorden.

Franske forfattere fra perioden kaldet udarbejde versioner af disse monteret stilarter bliauts. The beklædningsgenstand beskrevet som er fremstillet af dyre silkestoffer. Dens udseende indikerer, at stoffet sandsynligvis blev manipuleret ved hjælp af bias (diagonale stykker med større stræk) mellemværker at sikre en tæt pasform og nøje beskriver læg blev brugt i skørtet. Klart fremskridt blev gjort i tøj konstruktion.

Chainse, en anden fransk udtryk, synes at henvise til en plisseret beklædningsgenstand, der blev sandsynligvis lavet af letvægts linned og kan have været båret alene som en slags housedress af kvinder (Goddard 1927). Synes Nogle versioner af disse beklædningsgenstande at have lukket ved snøring, hvilket tillod en tættere pasform.

Kjole i middelalderen: 1200-1400

Med den øgede forskellige dressing stilarter, terminologi for beklædningsgenstande i disse tidlige perioder bliver mere kompliceret og forvirrende. Navne for beklædningsgenstande ofte kommer direkte fra fransk. Ofte engelsktalende kostume historikere vedtager disse franske udtryk. Dette er især tydeligt, når kostume historikere skriver om middelalderlige stilarter af det trettende århundrede og efter. Fra dette tidspunkt blev det under tunika normalt kaldes en cote; den ydre tunika, en surcote, et ord, der har vundet engelsk forbrug.

Den lagdeling forblev den samme som i tidligere århundreder og undertøj ikke ændre sig radikalt, men snittet og pasform af overtøj er begyndt at ændre med større hyppighed. Også en række nye udendørs beklædningsgenstande optrådte. Disse omfattede Garnache ", en lang kappe med capelike ærmer," den herigaut eller gardecorps ", en kappe med lange, brede ærmer med en slids under skulderen, hvorigennem armen kunne smuttede", og chaperon ", en hætte cut og syet til en dupsko "[kappe] (Tortora og Eubank 1998).

Indflydelsen af ​​vigtige personer på stil er tydelig. Den regeringstid (1226-1270) af den fromme Kong Louis IX i Frankrig faldt sammen med en drejning mod løsere montering, mere beskeden og mindre pralende kjole.

Omkring midten af ​​det fjortende århundrede, en bredere vifte af typer af kjole dukkede op. Samtidig, kjole til mænd og kvinder begyndte at divergere, længde nederdel er en stor forskel. Mænd i alle klasser nu havde korte nederdele. Et vigtigt kort skørtede beklædningsgenstand var cotehardie. De præcise funktioner i denne beklædningsgenstand synes at have varieret fra land til land, og det var sandsynligvis en variant af surcote. Den Cunningtons, skrive om engelsk kostume, definere begrebet som en beklædningsgenstand med en front-knappet, lav-indsnævrede, monteret overdelen med indbyggede ærmer, der sluttede ved albuen foran og havde en hængende klap på ryggen, med overdelen er knyttet til en kort skørt (1952).

I henhold til denne beklædningsgenstand, mænd bar en beklædningsgenstand skiftevis kaldes en pourpoint, gipon eller dublet. Ved at kommentere problemerne med terminologi, Newton bemærker: "Det er tvivlsomt, om på en gang de nøjagtige forskelle mellem en aketon, et pourpoint, en dublet, en courtpiece, og en jupon var absolut defineret. I Frankrig cotehardie kommer i denne kategori og i England, fra de tidlige 1360'erne, at paltok "(1980). Sandsynligvis er vedtaget for civil slid fra en polstret militær beklædningsgenstand, den pourpoint (senere mere tilbøjelige til at blive kaldt en dublet) fastgjort til slange med snørebånd, der havde skarpe metal tips kendt som "point".

Denne kombination kan bæres alene eller under en yderbeklædning. Slange blev slidt enten med sko eller støvler eller havde lædersåler og krævede ingen sko. Sko ofte havde meget lange, spidse tæer og blev kaldt Poulaines eller crackowes, som kan vidne til en mulig oprindelse i Polen. Overklassens mænd bar den mest ekstreme af disse stilarter og dermed viste, at de ikke behøvede at gøre noget hårdt arbejde.

Den houppelande var et andet vigtigt beklædningsgenstand, der dukkede omkring 1360. Made in enten låret eller mid-kalv længde eller lang, var det monteret over skuldrene, så faldt i dybe, rørformede folder og blev fastspændt i taljen. Ærmer kunne være ganske omfattende, undertiden lang og fuld og samlede ind på håndleddet eller udvidelse i slutningen og falder til gulvet. Pelskant var almindelige.

Selvom kvinderne var iført houppelandes ved udgangen af det fjortende århundrede, de var mere almindelige i det femtende århundrede. Andre stilarter for kvinder indgår tætsiddende kjoler, undertiden med enten ærmer eller ærmeløse surcotes. Visse beklædningsgenstande var visuelle udsagn om status. Franske dronninger og prinsesser bar surcotes skære lavt i nakken, med enorme ærmegabet åbninger, gennem hvilke en monteret kjole kunne ses, og en hip-længde afstivet panel med en række af juvelbesatte brocher ned foran. En fuld nederdel var knyttet til panelet.

Indførelsen af ​​sumptuary love (begrænsningerne på udgifterne til luksusvarer) om påklædning tyder på, at elite klasser frygtede, at de lavere klasser forsøgte at tilrane sig deres statussymboler. Moderigtigt kjole var blevet råd til flere mennesker, og lovgiverne forsøgte at begrænse efter rang de typer af skind, der anvendes, arten og mængden af ​​stof, slags afpudsning, og selv længden af ​​punkterne i sko. Disse love blev ikke adlydt og sjældent håndhævet.

Under det femtende århundrede, stilarter løbende udviklet sig. Mænds dubletter voksede kortere og slange længere, ser meget gerne moderne strømpebukser. En ny konstruktion funktion, den Codpiece-en pose af stof lukket med laces- tilladte plads til kønsorganerne. Houppelandes gennemgik nogle ændringer i stil og konstruktion, bliver mere omfattende i trimning og ærme konstruktion. En kort, bredskuldret beklædningsgenstand, også kaldet en jakke, havde en vedhæftet nederdel, der blussede ud fra taljen.

Kvinder bar houppelandes og indbyggede kjoler. En stil forekommer så ofte i kunsten at det er blevet næsten en stereotyp for moderne illustratorer, der ønsker at vise middelalderlige prinsesser. Denne kjole havde monteret ærmer, en dyb v-hals med en beskedenhed brik udfylde V, en lidt høj talje med et bredt bælte, og en lang, uddannet nederdel. En anden stil ses i nordeuropæiske kunst er en løstsiddende kjole med tætsiddende ærmer, en rund halsudskæring, og fylde falder fra rynker midt foran. Nogle kilder kalder dette kjole en roc.

Tilbehør

I de tidligere århundreder, middelalderlige hovedbeklædning var forholdsvis enkel: slør, der dækkede deres hår for voksne kvinder og hætter eller kapitæler som moderne baby-huer, kaldet Coifs, der bundet under hagen for mænd. Ved det femtende århundrede blev overklassens mænd og kvinder, der bærer mange fantasifulde stilarter. Mænds hætter blev viklet turbanlike omkring hovedet, undertiden med brede, polstrede skygger. Forekomsten af ​​turbaner kan afspejle kontakter med Orienten. Hatte med høje kroner og med små skygger lignede en loaf sukker og blev kaldt sukker loaf hatte. Voksne kvinders hår var stadig dækket, men gulvbelægninger var ofte af dekorative netstoffer, polstrede ruller, eller høje, flade eller spidse, strukturer. Letvægts, stejle slør blev ofte tilknyttet.

Andet tilbehør medfølger tasker, bælter og smykker. Bælter var ofte et tegn på status, er stærkt ornamenterede og juvelbesatte.

Kjole i den italienske renæssance: 1400-1600

I Italien circa 1400, lærde vendte sig til litteratur og filosofi i det gamle Grækenland og Rom som en kilde til ideer om deres verden. Historikere undersøger denne periode tildelt navnet "Renaissance" (fransk for "genfødsel") til denne tid, hvor et nyt fokus på humanisme i kontrast til den middelalderlige vægt på åndelighed.

Disse ideer spredes fra Italien til Nordeuropa, påvirke lærde og kunstnere. Kunstnerne skabte realistiske portrætter og scener af hverdagen og viste tydelige visninger af kjole selv til det punkt, der viser, hvor sømmene er placeret. De trofast afbildet de frodige fløjl, satin og brokader båret af deres posering.

Royalty bar de mest overdådige klæder, men well-to-do handelsskibe klasser kunne nemt efterligne retslige stilarter. Blandede ægteskaber blandt herskerne i de europæiske lande, forudsat et af midlerne til spredning mode fra et land til et andet som kongelige brude og brudgomme klædt sig selv og deres ledsagere i de nyeste stilarter fra deres hjemland.

Ved det sekstende århundrede blev den nyligt udviklede trykpresse udklækker bøger, foregav at vise tøj stilarter i forskellige dele af verden. Sådanne bøger, der er af en vis hjælp for kostume historikere, kræver omhyggelig vurdering, fordi mange af de afbildede stilarter er imaginære og indeholder både realistiske og unøjagtige repræsentationer.

Fremherskende Styles

Styles slidte i Italien i begyndelsen af ​​femtende århundrede viste nogle ligheder til dem i Nordeuropa i det trettende gennem femtende århundrede. Samtidig, med nærheden af ​​Italiens til Mellemøsten, asiatiske indflydelser er tydelige i stoffer med østlige design motiver, i tøj, der viser nogle ligheder med tyrkiske klæder, og i hovedbeklædning i turbanlike former. En del af forskellene i stilarter kom fra den italienske manglende vedtagelse nordlige stilarter såsom de ekstreme pegede-tåede sko og V-hals, høj taljeret kvinders kjole. Silhuetter af kvinders kjoler var bredere end i nord. Necklines var lave. Bodices var vedlagt indsamlede nederdele. Mange kjoler og mænds dubletter eller jakker var lavet af regnede fløjl, brokader og damask produceret af dygtige italienske vævere. Små pust af struktur i kontrastfarve blev trukket gennem albuen, ærmegab, og nogle søm linjer.

Dette dekorative idé blev en funktion af mænds stilarter hele Europa i de tidlige år af 1500-tallet. Det udvendige stof blev skåret og pust af kontrastfarve trukket gennem spalterne til at udarbejde dekorationer. Silhuetten for mænd voksede bred og fuld.

Italienere stilarter forblev lidt forskellige fra dem i nord, indtil de senere 1500-tallet, hvor Spanien, Frankrig og Østrig kom til at dominere de italienske bystater. Ved det sekstende århundrede, internationale begivenheder var med til at flytte spanske stilarter til midten af ​​mode scene. Christopher Columbus 'rejse til Amerika i 1492 gjorde Spanien, som havde finansieret turen, rige. Da Karl V blev ikke kun konge af Spanien, men også hersker over de lave lande, og hvad der er blevet Tyskland, spredt spansk indflydelse i hele Europa. Mørke, rige tekstiler blev foretaget i kvinders tøj med temmelig stive, timeglasformede silhuetter. En stiv, hooplike struktur rakte nederdele. Handsome sort-på-hvidt broderier ornamenterede kraver og undertøj. Ved de sidste år af århundredet, de konservative, smallere, mere stive linjer af spansk oprindelse også domineret af mænd.

Portrætter og opgørelser af tøj giver et glimrende billede af kjolen af ​​de farverige monarker i England, Henry VIII og Elizabeth I, samt at de herskere i Frankrig og Spanien. Udviklingen af ​​mænds skulder figurer fra bred i begyndelsen af ​​århundredet til smallere, og af kvinders nederdele fra omvendt kegle figurer til tønde-lignende former (kaldet Farthingales) er tydelige tegn på mode som en integreret del af kjole. Smal hvid dikkedarer ved hals voksede bredere, rundere, og stadig bredere bliver store, stive, stivede, blonder kraver, som i det sekstende århundrede til sidst aftaget i brede, flade kraver.

Kjole i barok og rokoko Periode: 1600-1700

De stilarter i de skønne kunster fra omkring slutningen af ​​det sekstende århundrede til de første årtier af det attende århundrede kaldes barok. Elementer karakteristiske for barokke stilarter omfatter omfattende ornamentik, buede former, og frit flydende linjer, alle i relativt stor skala. Kjolen af ​​perioden tydeligt afspejlet disse tendenser. De, der havde råd til at bære fashionable kjole gjorde det. Domstolene forblev den vigtigste fase, som at vise overdådige tøj. Det er blevet sagt, at Ludvig XIV (konge af Frankrig 1643-1715) brugte fashionable kjole som et politisk redskab, holde hans hoffolk så travlt efter domstol etikette og stil, de havde hverken midler eller tid til at plotte mod ham.

Tøj spillede også en politisk rolle i England. De royalistiske tilhængere af kongen imod puritanske fraktion.

Puritanerne ønskede at reformere Church of England og understrege en enklere, mere moralistisk og mindre overdådige livsstil. Den resulterende borgerkrig førte til nederlag og udførelse af kong Charles I, hvorefter en Commonwealth erstattet monarkiet for omkring atten år. Puritanerne klædt i mere dystre stilarter med lidt ornamentik. Deres "Roundheads" kælenavn kom fra de korte frisurer, de har vedtaget. Portrætter, varebeholdninger og andre skriftlige optegnelser viser, at selv om Puritanerne understregede enkelhed, deres tøj fulgte fashionable linjer. Blandt de rige Puritanerne høj kvalitet, dyre stof var i brug.

The Pilgrims der bosatte sig i Massachusetts i 1620 var puritanere. De kjole stilarter fra de amerikanske kolonister i det syttende og attende århundrede sakket bagud i forhold til Europa, men var ellers de samme. Kun pelsjægere og opdagelsesrejsende synes at have tilpasset nogle af de mere praktiske elementer af indiansk kjole såsom mokkasiner; næsten intet gjort sin vej tilbage over Atlanten. Indianere blev afbildet ved portrætmalere i antræk sædvanligvis indeholder europæiske elementer, mens kjole af tidlige amerikanske kolonister er næsten umulig at skelne fra kjole i Europa.

Derimod handel med Fjernøsten havde en betydelig indvirkning på mode. Disse påvirkninger kan ses i de stoffer, der importeres fra Indien, Kina og Japan og i nogle specifikke beklædningsgenstande. Vesten blev vedtaget af Charles II af England er et eksempel på østlige påvirkninger. Prototypen på vesten kan have været persiske mænds frakker (Kuchta 1990).

Når den engelske monarki blev restaureret, Charles II (søn af den henrettet Charles I) vendte tilbage fra eksil i Frankrig under beskyttelse af Ludvig XIV, og puritanske kjole ændringer blev overskygget af fransk indflydelse, og retten igen blev dommer over stil. Et bemærkelsesværdigt stykke kjole vedtaget af kong Charles II var vesten, forløberen for det, der blev en virtuel uniform for mænd i det attende århundrede og senere: den tredelt jakkesæt. Dens syttende århundrede stil bestod af knælange knickers, en lang, knappet vest, der nåede lige under knæet og dækkede knickers og en jakke af samme længde over dette.

Puritanerne var ikke den eneste syttende århundrede gruppe til at afvige fra moderne stilarter. Den konservative karakter spanske samfund var sandsynligvis ansvarlig for bevarelsen af ​​ældre stilarter og en langsommere indførelse af nye. Den brede skørtede farthingale af det sekstende århundrede forsvandt i resten af ​​Europa i begyndelsen af ​​det syttende århundrede. Spanske overklassens kvinder vedtaget denne stil i midten af ​​1600-tallet. Den spanske guardinfante (bogstaveligt, "spædbarn guard") bestod af en oval farthingale, meget bredt fra side til side, bæres med en overdelen, der rakte langt under talje til at dække toppen af skørtet. Som Reade bemærkede: "Da anstrengelse var svært for nogen at bære det, det vogue understregede sociale forskelle" (1951). Spanske mænd fortsatte iført pibekrave og bagagerum slange længere end mænd andre steder i Europa. Ved det attende århundrede, den spanske klædt i mainstream-mode.

Hvordan individer erhvervet tøj afveg afhængig af social status. Mindre velhavende familier købte brugt tøj eller produceret deres eget tøj, for det meste ved at have kvinder i familien gør tøjet. Disse tilstrækkeligt velhavende hyret professionelle skræddere. Selv om de fleste professionelle skræddere var mænd, kvinder gjorde den fine hånd og ornamental syning. I 1675 som svar på et andragende fra en gruppe franske kvinder syersker, at de får lov til at gøre kvinders tøj, tilladt Ludvig XIV dannelsen af ​​en guild af kvindelige skræddere. Over tid, ved hjælp af kvindelige skræddere til at gøre kvinders tøj og mandlige skræddere til at gøre jakkesæt blev sædvane.

Nogle økonomer mener de økonomiske ændringer, der fandt sted i England i slutningen af ​​syttende og attende århundrede en forbruger revolution. Forbrugernes interesse for billigere importerede bomuld fra Indien førte virksomheder til at stimulere efterspørgslen efter moderigtige varer med henblik på at øge deres profit. For at opnå dette, de havde brug for at give oplysninger om aktuelle mode til potentielle kunder. Graveret, undertiden håndkolorerede, billeder af den nyeste mode blev solgt. Dukker klædt i de nyeste stilarter blev rundsendt, og ved slutningen af ​​det attende århundrede, påklædningsdukker viser aktuelle stilarter var også tilgængelige. Styles fik navne, og mode terminologi steget eksponentielt.

Da efterspørgslen efter moderigtige varer voksede, blev der flere fibre, garn og stof nødvendig. Sådanne krav var med til at sætte gang i den industrielle revolution og dens mekanisering af produktionen. Forbrugernes efterspørgsel efter bomuld ført til øget afvikling i kolonierne i den nye verden, og at brugen af ​​slaver til at dyrke og høste fiberen. Da levering af bomuld steget, opfindelsen af ​​bomuld gin mødte det er nødvendigt at behandle mere fiber. Opfindere forbedrede maskiner til spinding og vævning. Masseproduktion af stof fremstillet billige tekstiler til rådighed. Som et resultat, i slutningen af ​​det attende århundrede, var muligt efter mode for alle, men de meget fattige og slaver.

Navnet "rokoko" er blevet tildelt de subtile ændringer i kunst og kjole stilarter perioden fra omkring 1720 til 1770. rokoko er karakteriseret ved mindre skala, men stadig krum linjer; mere delikat ornamentik; og asiatiske, gotisk, og blomstermotiver. Efter 1770 kunst og arkitektur oplevede en klassisk genoplivning. Disse neoklassiske påvirkninger kom i tøj stilarter gradvist og blev accepteret som den fremherskende tilstand mod slutningen af ​​århundredet.

Den tredelt jakkesæt blev det fremherskende element i herretøj. Gennem det attende århundrede, mænd bar knæbukser, en vest og en ydre pels. Når frakke, vest, og knickers var lavet af samme stof, blev outfit kaldes en "ditto trop." Længden af ​​vesten, og snittet af både vesten og pels, varieres over tid. Tidligt i århundrede, frakker og veste var bred og fuld. Når pelsen blev knappet det skjulte vesten. Ved midcentury, pelsen var slankere. Så blev vesten, som også forkortes. Pelsen ikke længere knappet lukket, men forblev åben og vesten og knickers var synlige. For formelle slid, blev frakker og veste kunstfærdigt broderet eller lavet af meget dekorative stof. En kjole frakke var løsere og kortere end frakker til mere formelle lejligheder. Tidligt i århundrede blev kjole frakker slidt i landet, men efterhånden blev de også anset korrekt for mere formelle slid.

De silhuetter og udsmykkede vævede, broderede eller trykte design af stofferne, som overklassens kvinder kjoler blev foretaget i 1700-tallet afspejlede krum former for barok og rokoko kunst. Formen af ​​nederdele ændret gradvist. Efter begyndelsen af ​​det attende århundrede, hvor løs, fuld sacque kjoler var populære, silhuet ændret og bodices monteret foran på kroppen nøje. Halsudskæringer var lave, firkantede eller runde. I tilbage nogle kjoler blev monteret, mens andre havde fuld læg midt bagpå, der åbnes i en løs, flyder nederdel. Kostume historikere i det nittende århundrede kaldte denne stil en "Watteau back" efter Antoine Watteau, en kunstner attende århundrede, der ofte malede kvinder i denne stil kjole.

Nederdele blev holdt ud ved at støtte bøjler (kaldet paniers i Frankrig), der var første kegleformet, så kuppelformet, næste smal fra front til bag og bred fra side til side. Ved perioden 1740-1760, nederdele var enormt bredt (så meget som 2 ¾ meter). Dobbelt døre var med til at imødekomme tidens kvinder i disse panier- understøttede kjoler og små tabeller ofte havde rejst kanter for at forhindre genstande i at blive fejet fra disse med en passage nederdel. Efter 1760'erne blev paniers erstattet af puder eller puder slidte ved hoften, og fylde skørter flyttet mod bagsiden.

Antydninger af den klassiske vækkelse i kunst kan ses i kjole af små piger, der bar høj talje, slanke hvide musselin kjoler minder om græske doriske chitons. Kvinder også begyndte at bære hvide musselin kjoler og flyttede væk gradvist fra fuld skørtede silhuet, men vedtagelsen af ​​stilarter tæt op ad græske og romerske kvinders kjoler kom først efter den franske revolution (1789 til 1795).

Den franske revolution og Empire Style

Costume siges at afspejle tidsånden, eller "tidsånden", og mode i slutningen af ​​det attende og begyndelsen af ​​det nittende århundrede ofte citeret for at illustrere dette punkt. Den politiske udvikling i Frankrig var i betydeligt omfang er inspireret af eksemplerne på de gamle græske og romerske republikker. Som tidligere bemærket, klassiske indflydelser var allerede tydeligt i arkitekturen, og de fine og dekorativ kunst. Ved det sidste årti af det attende århundrede, de gennemsyret kvinders påklædning også.

Fordi marmor statuer af antikken var blevet bleget hvid over tid, troede man, at grækerne og romerne havde båret hvide Klæder. De høje højtaljede stilarter Hellenic Græsk doriske chitons tjente som model for slanke, hvide musselin kjoler med høje taljemål. Moderigtigt kvinder bar klassisk inspirerede sandaler. Mænd klippe deres hår i "Titus stil" (opkaldt efter en romersk kejser). Kvinder klædt deres hår à la Greque. Selvom specifikke detaljer ændret fra år til år, den høje højtaljede kjoler var grundlag af et fashionabelt silhuet, der var til at vare i mere end to årtier.

Kjole i det nittende århundrede

Mange kulturelle kræfter bidrog til stilistiske ændringer i det nittende århundrede. Disse omfattede industrielle revolution, den franske revolution, ændringer i kvinders roller, ændringer i det politiske klima, udvidelse af USA, og kunstretninger.

Den industrielle revolution produceret ikke kun teknologiske, men også sociale og økonomiske ændringer, der ramte kjole. Evnen til at producere tekstiler hurtigt og billigere lettet deltagelse i mode. Som industrialiseringen bragte flere kvinder i arbejdsstyrken, hvilket giver dem mindre tid til at lave tøj til deres familier, ved udgangen af ​​dette århundrede, nogle beklædningsgenstande blev masseproduceret. Landarbejdere, der udvandrede til byområder behov forskellige former for tøj.

Da USA udvidet, det efterhånden fik en større rolle i den vestlige verden som producent af råvarer og producent af varer. Teknologiske innovationer og forbedringer foretaget i USA som patentering og distribution af den første kommercielt succesfulde symaskine, udvikling af den størrelse papir mønster, og opfindelsen af ​​maskiner, der kunne skære flere mønster stykker bidrog til væksten af ​​masse mode . Indvandring bragt faglærte arbejdere til at arbejde i masseproduktion af tøj, og indvandrergrupper forbrugerne udvidet markedet for billige ready-to-wear.

Selvom ready-to-wear mode kom senere til Europa end til USA, Europa forblev centrum for innovation i mode. British skræddersy sætte den internationale standard for herretøj. Og begyndelsen af ​​haute couture i Paris på midcentury bekræftede fremtrædende sted i Paris i modetøj til kvinder.

Charles Worth anses for at have været far til haute couture. Han kom først til offentlig bekendtgørelse omkring 1860, da den franske kejserinde Eugénie begyndte at bære tøj, han havde konstrueret. Hans atelier blev hurtigt kendt over hele verden, og kvinder fra Dronning Victoria til parisiske kurtisaner var klædt af Worth. Worth var medvirkende til at grundlægge en organisation af franske modeskabere, Chambre Syndicale de la Couture Parisienne, i 1868, at de regulerede den franske high-modebranchen.

Politiske begivenheder på begge sider af Atlanten påvirket også kjole. For eksempel, genopretning af den franske monarki opfostrede et væld af mode opkaldt efter tidligere kongelige og den italienske revolutionære leder Giuseppe Garibaldi inspirerede kvinder at bære røde bluser som dem af sine soldater.

Bevægelsen nittende århundredes Europa og Amerika i retning af mere egalitære samfund bidrog til en samlet revolution i mænds kjole. De overdådigt udsmykkede attende århundredes dragter med knæbukser båret af adelen var, fremover erstattet af mørke, trousered, tredelt jakkesæt. The skill of its tailoring and quality of the fabric in these suits attested to the status of the wearer.

Through its ornamentation and obvious cost, women's clothing had to bear the burden of attesting to the wealth and social standing of the family. Thorsten Veblen (1857-1929) recognized this role for women in his classic study, Theory of the Leisure Classes. He noted that upper-class women's clothing showed that their husbands or fathers could afford to spend lavishly on elaborate clothing (conspicuous consumption) and, furthermore, these women could not do any menial labor when encumbered by such dresses (conspicuous leisure) (Veblen 1936).

At the same time, some women were beginning to question the roles assigned to them in nineteenth-century society. After the accession of Queen Victoria to the throne of England in 1837, the ideal Victorian matron was wife and mother of a large family who ran the household smoothly, supervised the servants, and led a sedate, scandal-free life. The example set by abolitionists working to free the slaves at the time of the American Civil War led some women to state that they, too, were held in a type of bondage. Some women active in the women's suffrage movement believed that women's clothing was a severe handicap to freedom of movement and physical activity. Attempts to reform dress and establish more rational styles for women such as the Bloomer costume were not especially successful at first. The Bloomer costume (named after women's-rights author and lecturer Amelia Bloomer, one of its more visible proponents) consisted of a shorter version of the full-skirted dress of the 1840s worn over a pair of full trousers gathered in to fit tightly at the ankle. The style was based on the dress worn by women in European health sanitariums (Foote 1980). Though abandoned by suffragettes after a few years, photographs show that the style was adopted by some American women settlers for the westward trek and the rigors of pioneer life. Variations of the style also showed up in gymnastics classes for young women, evidence of increased importance given to women's health and fitness.

By the 1890s, women were participating actively in many sports. Bicycling was especially popular and special dress, including bloomer suits called rationals and split skirts, had been adopted.

Throughout history, connections between the fine arts and dress can be found. In the nineteenth century, the pre-Raphaelites and participants in the aesthetic movement made conscious efforts to apply their philosophies to dress. In rejecting contemporary art forms, the pre-Raphaelites drew their inspiration from the art of the Middle Ages and the Renaissance. The artists painted women in idealized costumes from these earlier periods, and women of the group began to wear styles based on the paintings while rejecting the tight corseting and wide skirts of the 1840s and 1850s. In the 1880s and 1890s, the ideas of the small pre-Raphaelite group inspired followers of the more popular aesthetic movement. Women wore no corsets, few or no petticoats, and large leg-of-mutton sleeves. Oscar Wilde, British writer, lectured about aestheticism in a softly-fitted velvet jacket and knee breeches worn with a wide, soft collar and loose necktie. While this costume was worn in protest, the protest was against the aesthetics of the time and not against the inconvenient and unhealthy aspects of dress to which feminists and health reformers objected.

Means of spreading information about current styles expanded. Magazines for women incorporated hand-colored, engraved fashion plates, making it possible for women of all socioeconomic levels to see styles from Paris and keep abreast of current fashion each month. Full-sized paper patterns were bound into some magazines in the late 1800s. The invention of photography in the 1840s provided another way of spreading style information.

Silhouette and Style Changes

The nineteenth century was marked by increasingly rapid style changes. Costume historians recognize this by dividing the century into a number of relatively short fashion periods that cover ten to twenty years. These periods were characterized by an incremental evolution of fashions year-by-year that eventually added up to a distinct new style.

The more somber styles worn by men throughout the 1800s showed only relatively subtle changes. One can see parallels in the cut of men's suits and the silhouette of women's dresses. When women's sleeves were large, men's tended to be enlarged; when women's waists were narrow, tailors made men's jackets with nipped-in waistlines. But it was in women's clothing that the more pronounced changes in style were evident.

The Empire period (1790-1820) is named after Napoleon Bonaparte, the first Emperor of France. For women, the high-waisted, relatively narrow silhouette first seen in the late 1700s continued to be the predominant line throughout this period. In fashion terminology, this high waistline placement is still known as an "empire waist."

The expanded trade with the Far East and the military campaigns of Napoleon in Egypt fueled fashions with Asian links. Imported cashmere shawls were all the rage. Napoleon tried to ban the importation of these shawls in order to protect the French textile industry. Soon European mills were copying them. The output of the mills in the town of Paisley, Scotland, was so prodigious that the shawls became known as paisley shawls.

Year by year, subtle changes appeared in the Empire styles until the high waistline had moved lower, approaching the anatomical waist, the skirt had flared out, and sleeves had grown larger, eventually becoming enormous. By the 1820s, that line was distinctive enough for costume historians to see this as a new period that they named after the art and literary movements of the same time: the Romantic period (1820-1850).

Differences in style between the late Romantic and the later Crinoline period (1850-1870) were subtle. In some costume histories, the period from circa 1838 to 1870 is known as the early Victorian period, Victoria having acceded to the British throne in 1837. The most distinctive aspect of the silhouette of this period was the increasing width of the skirt, the return of the waistline to its natural anatomical position, and a dropped shoulder line. Until the invention of the cage crinoline, or hoopskirt, in the mid-1800s, skirts were held out by heavy layers of starched petticoats that were often reinforced with fabric stiffened with horsehair ( crin is French for "horsehair," and lin , "linen," hence the name of the fabric: crinoline). The originator of the nineteenth-century hoopskirt is unknown. The basic structure was a series of horizontal hoops of whalebone or steel of gradually increasing size that were fastened to vertical tapes. Far lighter than the many layers of petticoats, the hoop was an immediate success.

The hoopskirt itself went through numerous transitions, being first round, and then gradually swinging its fullest areas to the back. As the back fullness increased, the front flattened, and by 1870, the bustle had taken over as the preferred shape.

The silhouette of the Bustle period (1870-1890) might be divided into three distinct phases. In the first phase (1869-1877) the fullness at the back of the dress was supported by a bustle. Bustles were structures equipped with some device to hold skirts out in the back. The skirt shape was flat in front with a full, draped fall of fabric and ornamentation down the back. Most sleeves were three-quarters length or longer and were set in at the shoulder instead of being dropped below the shoulder on the arm, as in the Crinoline period. Bodices were tightly fitted. In the second phase (1878-1883), the bustle itself disappeared, garments were fitted closely from neck to hip in what was called a cuirass bodice, below which the skirt remained tight at the front. The decoration of the skirt dropped to below the hips in back. Many skirts had long, ornamental trains. In the third phase (1883-1890), the bustle structure returned with a vengeance, looking like a shelf at the back of the dress. Dresses had high, tightly fitted collars and very close-fitted bodices.

By the final decade of the nineteenth century, the back fullness of the Bustle period had diminished to a few pleats. The silhouette was hourglass-shaped, with enormous leg-of-mutton sleeves balancing a full, cone-shaped skirt that was wide at the bottom. The ubiquitous high-standing collar remained, however.

Bibliografi

Baines, VB Fashion Revivals from the Elizabethan Age to the Present Day. London: BT Batsford, Ltd., 1981.

Boucher, E. 20,000 Years of Fashion. London: Thames and Hudson, Inc., 1987.

Breward, C. The Culture of Fashion: A New History of Fashionable Dress. New York: St. Martin's Press, 1995.

Byrde, P. The Male Image: Men's Fashion in England 1300-1970. London: BT Batsford, Ltd., 1979.

Chenoune, F. A History of Men's Fashion. Paris: Flammarion, 1993.

Cunnington, CW, PE Cunnington, and C. Beard. A Dictionary of English Costume 900-1900. London: Adam and Charles Black, 1972.

Davenport, M. The Book of Costume. 2 vols. New York: Crown, 1948.

DeMarly, D. Fashion for Men: An Illustrated History. New York: Holmes and Meier, 1985.

--. Dress in North America. New York: Holmes and Meier, 1990.

Tortora, P., and K. Eubank. Survey of Historic Costume. New York: Fairchild Publications, 1998.

Waugh, N. The Cut of Men's Clothes, 1600-1900. London: Faber and Faber, 1964.

--. The Cut of Women's Clothes, 1600-1930. New York: Theatre Arts Books, 1968.

Medieval Dress

Cunnington, C., and P. Cunnington. Handbook of English Medieval Costume. Northampton, UK: John Dickens, 1973.

Evans, J. Dress in Medieval France. Oxford: Clarendon, 1952.

Goddard, ER Women's Costume in French Texts of the 11th and 12th Centuries. New York: Johnson Reprints, 1973.

Newton, SM Fashion in the Age of the Black Prince. Totowa, NJ: Rowan and Littlefield, 1980.

Piponnier, F., and P. Mane. Dress in the Middle Ages. New Haven, Conn.: Yale University Press, 1997.

Scott, M. The History of Dress: Late Gothic Europe, 1400-1500. New York: Humanities Press, 1980.

--. Visual History of Costume: 14th and 15th Centuries. London: BT Batsford, Ltd., 1986.

Renaissance Dress

Arnold, J., ed. Lost from Her Majesty's Back. Birdle, Bury, England: Costume Society, 1980.

Ashelford, J. The Visual History of Costume: The 16th Century. New York: Drama Book, 1983.

--. Dress in the Age of Elizabeth I. New York: Holmes and Meier, 1988.

Birbari, E. Dress in Italian Paintings, 1460-1500. London: John Murray, 1975.

Cunnington, CW Handbook of English Costume in the Sixteenth Century. Boston: Plays, 1972.

Frick, C. Dressing Renaissance Florence: Families, Fortunes, and Fine Clothing. Baltimore, Md.: Johns Hopkins University Press, 2002.

Herald, J. Renaissance Dress in Italy, 1400-1500. New York: Humanities Press, 1981.

Vecellio, C. Vecellio's Renaissance Costume Book. Mineola, NY: Dover Publications, Inc., 1977.

Seventeenth- and Eighteenth-Century Dress

Baumgarten, L. What Clothes Reveal. Williamsburg, Va.: The Colonial Williamsburg Collection, 2002.

Buck, A. Dress in 18th Century England. New York: Holmes and Meier, 1979.

Cumming, V. A Visual History of Costume: The 17th Century. New York: Drama Book, 1984.

Cunnington, C., and P. Cunnington. Handbook of English Costume in the Eighteenth Century. London: Faber and Faber, 1957.

--. Handbook of English Costume in the Seventeenth Century. London: Faber and Faber, 1972.

Delpierre, M. Dress in France in the Eighteenth Century. New Haven, Conn.: Yale University Press, 1998.

De Marly, D. Louis XIV and Versailles. New York: Holmes and Meier, 1988.

Hart, A., S. North, and R. Davis. Fashion in Detail from the 17th and 18th Centuries. New York: Rizzoli International, 1998.

Kuchta, DM "'Graceful, Virile and Useful': The Origins of the Three-Piece Suit." Dress 17 (1990): 118.

Reade, B. Costume of the Western World: The Dominance of Spain. London: Harrap, 1951.

Ribeiro, A. A Visual History of Costume: The Eighteenth Century. New York: Drama Book, 1983.

--. Dress in Eighteenth Century Europe: 1715-1789. New York: Holmes and Meier, 1985.

--. Fashion in the French Revolution. New York: Holmes and Meier, 1988.

- The Art of Dress:.. Mode i England og Frankrig 1750-1820 New Haven, Conn .: Yale University Press, 1995.

Roche, D. The Culture of Clothing: Dress and Fashion in the Ancien Regime. New York: Cambridge University Press, 1994.

Nineteenth-Century Dress

Bradfield, N. Costume in Detail. London: Harrap, 1975.

Buck, A. Victorian Costume. Carlton, Bedford, England: R. Bean, 1984.

Cunnington, C., and P. Cunnington. A Handbook of English Costume in the 19th Century. London: Faber and Faber, 1970.

Earle, AM Costume of Colonial Times. Detroit: Gale Research Company, 1974.

Foote, S. "Bloomers." Dress 5 (1980): 1.

Foster, V. A Visual History of Costume: The 19th Century. New York: Drama Book, 1983.

Hall, L. Common Threads: A Parade of American Clothing. Boston: Bulfinch Press, 1992.

Newton, SM Health, Art, and Reason: Dress Reform of the 19th Century. New York: Schram, 1976.

Severa, J. Dressed for the Photographer. Ordinary Americans and Fashion 1840-1900. Kent, Ohio: Kent State University Press, 1995.

Steele, V. Paris Fashion: A Cultural History. New York: Berg, 1998.

Veblen, T. Theory of the Leisure Class. New York: Viking Press, 1936.

Walkey, C., and V. Foster. Crinolines and Crimping Irons: Victorian Clothes. How They Were Cleaned and Cared For. London: P. Owen, 1978.