Theatrical Costume

Vestlige teater tradition har sine fonde i de græske festlighederne udført i det sjette århundrede fvt, ære Dionysos, gud for vin og festivas. De svælger (danse, sange og kor svar) udviklet sig til talt drama i 535 fvt, da dramatikeren Thespis introducerede en skuespiller til at reagere på omkvædet leder. Resultatet var dialog.

En anden dramatiker, Aischylos (525-456 fvt), er krediteret med at fastslå, hvad blev den traditionelle kostume til græsk tragedie. Det bestod af en lang, ærmer, mønstret tunika, en stiliseret maske til øjeblikkelig tegngenkendelse, og et par høje såler kaldet corthunae. Alle disse beklædningsgenstande var udelukkende til teatralsk brug. Man kan ikke handle helten i hverdagsbrug.

Aktører i græske komedier også bar masker for at angive, hvilke karakterer de portrætterede. Desuden vil de ofte tilføje overdrevne kropsdele, polstrede bunde eller maver, og oversize phalluses at øge komisk effekt. Korte tunikaer, meget som dem båret af almindelige borgere, blev fundet hensigtsmæssigt at komedie.

Selv romerne tilføjede deres egne drejninger, kostume konventioner, der er fastsat af grækerne i det væsentlige forblevet de samme, indtil faldet af Romerriget, når vestlige teater stort set forsvundet i otte hundrede år.

Middelalderen og renæssancen

Når teater reemerged, den gjorde det, ironisk nok, i forbindelse med kirken. Den kristne kirke blev den svorne fjende af drama (opfatte det at være både usømmelig og beslægtet med fanden-tilbedende). Men, da tjenesteydelser blev udført på latin, som færre og færre sognebørn kunne forstå, præster måtte udtænke en måde at dramatisere liturgien.

Fra det femte århundrede CE fremad, mysteriespil, dramatisere begivenheder i skrifterne, og mirakel skuespil, som afbildet livet for de hellige, blev mere og mere udført både inde i kirken og på kirkelige grunde. Da de blev mere omfattende, de flyttede ind i torvet.

Kostumer slidte i begyndelsen religiøse dramaer var kirkelige tøj. Da scripts blev mere sekulære, som ofte involverer byens borgere ud over de præster, lå kunstnere overtog ansvaret for eventuelle kostume stykker ikke er ejet af kirken. Moderne religiøse kunst inspireret til sådanne tegn som Daniel, Herodes, Jomfru Maria, og diverse djævle.

Det var i renæssancen, at produktionen elementer, både natur og kostume, kom til at være endnu vigtigere end teksten. I hele Europa adelen iscenesatte overdådige domstol masker og festspil til at underholde deres gæster. Kostumer afbildet guder, dyr og mytologiske væsner, samt sådanne følelser som håb og glæde. Designere for disse festligheder inkluderet Leonardo da Vinci og Inigo Jones.

The Commedia Dell'Arte

Commedia dell'arte, en form for populær gade komedie, opstod i Italien i det sekstende århundrede. Grupper af omrejsende skuespillere præsenterede stort set improviserede skuespil hele Italien og Europa.

Ligesom de græske komedier (hvortil commedia menes at være knyttet), Commedia aktører portrætteret lager tegn identificerbare ved deres masker og ved deres traditionelle kostumer. Pantaloon, den arketypiske mimrende gamle mand, ofte klædt i de brede bukser, der nu bærer hans navn. Den snu tjener Brighella havde en frakke vandrette grønne striber, forløberen for det nittende århundredes britisk bemaling. Andre tegneseriefigurer omfatter Harlekin, eller Harlekin, Il Dottore, en pedantisk akademisk altid klædt i sort, og Il Capitano, en kujonagtig spanier. De alvorlige tegn i commedia, to par elskende og en tjenestepige, bar moderne tøj.

Værker af William Shakespeare, Jean-Baptiste Moliere, og Antoine Watteau alle viser tegn på påvirkning af denne vigtige populære kunstart.

Det sekstende Gennem det attende århundrede

Kostumer til Shakespeares skuespil var en blanding af forskellige perioder, som publikum accepteret som standard konvention. De fleste dele blev udført i moderne kjole enten ejet af skuespilleren (alle var mænd) eller leveret af teatrets protektor. Den lejlighed, kan en hjelm eller brystplade indikere en soldat. Feer og nymfer kan bære klassiske gardiner.

Det samme princip gælder for kostume i det syttende og atten århundreder. De fleste skuespillere og især skuespillerinder klædt som moderigtigt som muligt. En turban angivet en østlig karakter. En plumed hjelm betød en soldat. Performers forudsat at deres egen garderobe med undtagelse af specialiteter fra teatret.

Det nittende og begyndelsen af ​​det tyvende århundrede

Perioden mellem 1770'erne og 1870'erne oplevede et drev mod historisk nøjagtighed i kostume design. Som rejser blev relativt lettere, rapporter, både skriftligt og visuelt, øget folks kendskab til andre kulturer. Internationale udstillinger såsom Crystal Palace Exhibition i London i 1851 bragte den materielle kultur af eksotiske steder for offentligheden. De ønskede, hvad de så og læse om afspejles på scenen.

I den tyske fyrstendømme af Sachsen-Meiningen, Duke George II etableret sin egen teatralske trup kaldes Meiningers. Hertugen brugte alle tilgængelige ressourcer for at skabe autentiske kostumer til sine skuespillere.

De Meiningers turnerede kontinentet bredt, og stilen i deres produktioner i høj grad påvirket disse bastioner nittende århundrede realisme som Théâtre Libre i Paris, og Moskva Art Theater i Rusland. I USA er de produktioner af impresario David Belasco afspejlede hans beundring for dette nye, realistiske stil.

En uundgåelig bagslag følges. I Rusland, for blot at nævne et eksempel, konstruktivistiske kunstnere designet meget konceptuelle kostumer, hvis eneste forhold til tøj var, at de blev båret af mennesker.

Til sidst begge stilarter blev anerkendt som gyldig, hvilket fører til blanding af historisk korrekte eller koncept drevne produktioner, der fortsætter i det enogtyvende århundrede.

Nuværende praksis

Theatrical kostumer er designet til at understøtte scriptet. Hvis realisme eller historicisme er centralt i teksten, vil kostumer præcist afspejler tøj passende til den periode, eller for miljøet. Som eksempler kan nævnes Henrik Ibsens The Master Builder, som kræver beklædning af de tidlige 1890'erne, eller David Storey er omklædningsrummet, som opfordrer til uniformer og street bære passende for en gruppe af rugby spillere i det nordlige England.

Andre scripts kræver en mere fantasifuld tilgang. Shakespeares The Tempest skal indstilles på en ø, men at øen kan være hvor som helst i verden. Prospero og Miranda kan bebo enhver periode af direktøren og designteamet aftalt.

Costume indflydelse på Moderigtigt Dress

Mens film kostume ofte påvirker moderigtigt tøj, teatralsk kostume næsten aldrig gør. En film er set af millioner af mennesker over hele landet i den første uge af dens udgivelse. Derimod kan den gennemsnitlige Broadway rumme kun otte tusinde mennesker i samme one-ugers periode.

Desuden er der typisk et interval på et år eller mere mellem slutningen af ​​skydning og filmens udgivelse. I dette interval modeblade og andre tidsskrifter kan køre spreads fremvisning kostumer, skaber kundernes efterspørgsel. Historisk filmstudier, producenter, stormagasiner og dameskrædder mønster selskaber indgået partnerskaber for at fremme både filmen og de er klar til slid (eller klar-til-sy) beklædningsgenstande, som filmen inspireret.

Et klassisk eksempel er "Letty Lynton" kjole båret af Joan Crawford i 1932 filmen af ​​samme navn. Mere end 500.000 eksemplarer af Adrian design blev angiveligt solgt til hver pris punkt, så snart filmen åbnes. I 1967 Theodora von Runkle s kostumer til Bonnie og Clyde udløste tendensen for 1930'erne revival stilarter, der var så populære i slutningen af 1960'erne. Ruth Morleys kostumer til Diane Keaton produceret Annie Hall look-alikes i hele USA og Europa i slutningen af 1970'erne.

En anden grund til, at der kan være lidt sammenhæng mellem teatralsk tøj og street wear er skala. En dragt er designet til at blive set fra en afstand af tredive eller fyrre fod. Detaljer er overdrevet for at gøre dem synlige. Film, er derimod i høj grad om nærbilleder. Film dragter skal være "rigtige" på en måde, at vellykkede teaterkostumier ikke kan være.

Findes enkelte undtagelser, men de er sjældne. En rød dragt designet af Patricia Zipprodt for 1969 Broadway produktion af Neil Simons Plaza Suite blev efterfølgende fremstillet til Bergdorf Goodman. I 2002 Bloom-ingdale har indført en samling af plus-size tøj baseret på William Ivey Long designs til musicalen Hairspray.

Publikum til en teatralsk begivenhed er så lille i forhold til antallet af mennesker, der deltager film, det gør lidt økonomisk mening at bruge teatret som et design kilde. Moderne tøj til scenen kan afspejle fashionable kjole, men det påvirker ikke det.

Særlige krav

Over alt, er en teatralsk kostume designet til bevægelse. Ærmegab er skåret højere, end de er i masseproduceret tøj at tillade skuespiller til at hæve sine arme uden at hele beklædningsgenstand følgende. Crotches skæres højere for at give mulighed for spark uden at opdele et søm.

Kostumer skal være konstrueret til at være stærk nok til at modstå otte wearings om ugen i måneder eller endda år, med sjælden rengøring eller hvidvaskning. Hvis scriptet kræver en "hurtig forandring", hvilket betyder, at den udøvende kunstner gør en fuldstændig ændring af tøj på under et minut, vil kostume konstrueres at lette overgangen. For at ændre en skjorte hurtigt, for eksempel, er knapperne syet på toppen af ​​knaphullerne. Skjorten er holdt lukket af snaps eller krog og løkke tape, så det kan bogstaveligt kopieret den udøvende kunstner.

Dancers sko skal have såler tynde nok til, at danseren at bøje og pege hendes mund. Når custom-made, elg hud er det foretrukne materiale.

Trends og udviklinger

Theatrical kostumer stærkt afhængige naturfibre (bomuld, hør, silke og uld). Syntetisk ikke håndtere eller drapere som naturlige fibre. Sagt imidlertid udvikling af nye materialer har haft en enorm indflydelse på industrien.

Inden slutningen af ​​1950'erne, for eksempel, danser strømpebukser blev fremstillet ud fra elastisk bomuld, givet til afskalninger og poser, eller de blev strikket og tilbøjelige til kørsler. Opfindelsen af ​​Lycra, spandex og andre to-vejs strækstof elimineret sådanne problemer. Flettet nylon hestehår kan bruges til at lave kraver som simulerer de stivede linned originaler, men som holder deres form, når hvidvaskes.

Ingen af ​​de firmaer fremstiller tekstiler udelukkende til anvendelse i kostumer. Markedet er alt for lille. Kunder er dog yderst kreativ i at opdage teatralske anvendelser for produkter beregnet til andre formål. Veri-formular, et varemærke for en type termoplastisk folie, for eksempel, er en åben vævning, plast mesh stof, der anvendes af ortopædkirurger til lette afstøbninger. Det gør fremragende rustning og masker, er ikke-toksisk og let at arbejde med.

Den plastiske netting bruges til at ventilere baseballkasketter gør uforgængelige og billige krinoliner. Aircondition og andre typer af skum kan skæres og skulpturelle at danne understructure af letvægts maskot eller andre kostumer, der er højere og bredere end skuespilleren inde i dem. Fuglefrø, indkapslet i en heldragt, er fremragende til at simulere bevægelse sagging bryster.

Den væsentligste udvikling på området i de sidste tyve år har uden tvivl været en øget bevidsthed om sundhed og sikkerhed. Så sent som i 1970'erne både designere og kostume beslutningstagere rutinemæssigt behandlet stoffer med meget giftige maling, opløsningsmidler og lim med ingen forståelse for de involverede risici. I det enogtyvende århundrede, ikke kun er mindre giftige produkter til rådighed, men et sikkerhedsdatablad, åndedrætsværn, sprøjtekabiner og andre beskyttelsesanordninger er normen.

Mens materialer fortsat udvikle sig, og stilarter kostume design går ind og ud af mode, princippet forbliver konstant. Da Robert Edmond Jones skrev i 1941: "En scene kostume er en skabelse af teatret. Dens kvalitet er rent teatralske og taget uden for teatret det mister sin magi på én gang. Det dør som plante dør, når hjemstedsfordrevne" (s. 91) .

Se også skuespillere, Indvirkning på Fashion; Kunst og mode; Ballet Kostume; Theatrical Makeup.

Bibliografi

Bieber, Margaret Historien om den græske og romerske teater Princeton, NJ:.. Princeton University Press, 1961.

. Cheney, Sheldon The Theatre: Tre tusind års Drama, fungerende og Sceneteknik New York, London og Toronto:. Longmans, Green og Co., 1952.

Gascoine, Bamber verden Theater:.. En Illustreret History Boston og Toronto: Little, Brown and Co., 1968.

.. Jones, Robert Edmond De dramatiske Imagination New York: Teater Arts 1941.

. James Laver Costume i Theatre New York:. Hill og Wang, 1965.

. Molinari, Cesare Theater gennem tiderne New York:. McGraw Hill Book Company, 1975.